Non è un mistero, per chi mi conosce, che il sassofono alto è il mio strumento del cuore. Ne amo il suono nervoso e la scattosità, quella capacità di essere tagliente e lirico nello stesso respiro. Da sempre ascolto i contraltisti con una sorta di devozione analitica, dividendoli—inevitabilmente, forse arbitrariamente—in due grandi famiglie: i pre-parkeriani e i post-parkeriani.
I pre- parkeriani
I primi, quelli che suonavano prima che Charlie Parker cambiasse per sempre le regole del gioco, portavano con sé un’eleganza orchestrale e un fraseggio cantabile. Penso a Johnny Hodges, con il suo vibrato vellutato e le frasi che sembravano sospese nel tempo; a Benny Carter, raffinato architetto melodico; a Willie Smith, spesso dimenticato ma fondamentale nel tessuto sonoro delle big band Ellingtoniane. Erano altisti che parlavano la lingua del swing, ma con accenti personali e una grazia che oggi suona quasi aristocratica.
L’arrivo del messia
Poi arrivò Parker, e nulla fu più come prima. Da quel momento, il contralto divenne veicolo di urgenza, di velocità, di pensiero armonico accelerato. I post-parkeriani, da Cannonball Adderley, con il suo soul espansivo e la gioia comunicativa, a Jackie McLean, nervoso e angoloso, fino a Phil Woods, Sonny Stitt e Sonny Criss, hanno portato avanti quella rivoluzione, ciascuno a modo suo.
La formazione ruota attorno a musicisti di altissimo livello: Barney Kessel alla chitarra, Kenny Drew e Sonny Clark al pianoforte (con Clark presente in ben 22 delle 34 tracce), Leroy Vinnegar, Bill Woodson e Buddy Clark al contrabbasso, Chuck Thompson e Lawrence Marable alla batteria, e Larry Bunker al vibrafono. Il suono è quello tipico della West Coast, ma Criss lo piega a una sensibilità più lirica e romantica, con un tono che si colloca tra la morbidezza di Johnny Hodges e l’acidità di Jackie McLean, senza mai scivolare nell’imitazione.
Il repertorio spazia dai classici del songbook americano (Summertime, How Deep Is the Ocean, Love for Sale) a composizioni originali come Criss Cross e Ham’s Blues, offrendo un ritratto completo di un altista troppo spesso trascurato, ma capace di una profondità espressiva rara. La qualità sonora della ristampa è eccellente, e il cofanetto rappresenta una delle più importanti operazioni di recupero del primo Criss, prima della sua rinascita discografica con Prestige negli anni ’60.
Sonny Stitt mon amour
Sonny Stitt, tra i più prolifici e tecnicamente brillanti, ha incarnato il bebop con una padronanza assoluta, muovendosi con disinvoltura tra contralto e tenore, senza mai perdere la nitidezza del fraseggio. Sonny Criss, invece, è spesso considerato uno degli interpreti più lirici e malinconici della scuola parkeriana. Nato a Memphis e cresciuto a Los Angeles, ha sviluppato uno stile rotondo, bluesy, profondamente emotivo. I suoi dischi per Prestige negli anni ’60, come Sonny’s Dream, sono testimonianze di una voce personale, capace di raccontare con intensità senza mai alzare la voce.
Gary Bartz
In questo panorama, uno dei miei preferiti resta Gary Bartz. Perché? Perché riesce a essere spirituale senza retorica, radicale senza perdere il senso della melodia, e collettivo senza rinunciare alla propria voce.
Bartz è figlio di Parker, certo, ma anche di Coltrane, di Ornette Coleman, e di un’idea di musica come strumento di consapevolezza. Il suo contralto non cerca di impressionare: cerca di raccontare.
Gary Bartz (n. 26 settembre 1940, Baltimore) è uno dei sassofonisti alto più influenti della scena post-bop, soul-jazz e jazz-fusion americana. La sua carriera attraversa i grandi nomi del jazz moderno — da Charles Mingus e McCoy Tyner fino a collaborazioni con Miles Davis e si caratterizza per una continua ricerca tra composizione, spiritualità e groove funk.
Origini e formazione
Nato a Baltimore nel 1940 in una famiglia che aveva rapporti con la scena dei club locali, Bartz fu esposto al jazz fin da bambino e ricevette il suo primo sax da ragazzo. A 17 anni si trasferì a New York per studiare al Juilliard Conservatory, esperienza che gli fornì solide basi tecniche e teoriche ma non ne limitò la curiosità verso le scene più sperimentali in crescita negli anni ’60.
Gli anni ’60: i grandi maestri e il workshop di Mingus
Nei primi anni ’60 Bartz entrò nel giro dei grandi: partecipò al Jazz Workshop di Charles Mingus, dove incrociò figure come Eric Dolphy e Rahsaan Roland Kirk; suonò come sideman con artisti di primo piano (Max Roach, Abbey Lincoln) e fece parte della Jazz Messengers di Art Blakey. Queste esperienze lo misero in contatto diretto con la radicalità armonica e ritmica del jazz post-bop.
Fine anni ’60–’70: McCoy Tyner, Miles Davis e la nascita del NTU Troop
Nel 1968 Bartz suonò nella formazione di McCoy Tyner (periodo delle registrazioni e tournée legate agli album Expansions / Extensions), esperienze che lo avvicinarono ulteriormente al linguaggio coltraniano e alle sonorità modali/spirituali. All’inizio degli anni ’70 rispose anche a chiamate per progetti di Miles Davis, partecipando a eventi e sedute che lo collocarono nel crocevia tra jazz sperimentale e fusion. Nello stesso periodo Bartz fondò la sua band NTU Troop, che combinava funk, soul, elementi africani e sperimentazione post-bop in un linguaggio fortemente ritmico e sociale.
La formazione è stellare e profondamente innovativa: accanto a Tyner troviamo Woody Shaw alla tromba, Gary Bartz al sax alto e flauto di legno, Wayne Shorter al sax tenore e clarinetto, Ron Carter al violoncello (in un ruolo sorprendente e lirico), Herbie Lewis al contrabbasso e Freddie Waits alla batteria. Il risultato è un tessuto sonoro ricco, stratificato, dove la scrittura modale si intreccia con momenti di improvvisazione libera e una forte tensione spirituale.
Brani come Vision e Song of Happiness superano i dodici minuti e si sviluppano come vere e proprie suite, con un senso narrativo che richiama la lezione di Coltrane ma la rielabora in chiave più collettiva e meno centrata sul solismo. La presenza di Bartz è particolarmente significativa: il suo contralto, nervoso e lirico, si inserisce con naturalezza nel paesaggio modale, contribuendo a quella “espansione” che dà il titolo all’album.
Prodotto da Duke Pearson, Expansions è un disco che non cerca l’effetto, ma la profondità. È un’opera che invita all’ascolto lento, alla contemplazione, e che segna uno dei momenti più alti della carriera di Tyner fuori dal contesto coltraniano.
Anni recenti, riconoscimenti e opera didattica
La produzione solista di Bartz è molto ampia (decine di album a suo nome e centinaia di partecipazioni come sideman). Negli anni 2000-2020 ha continuato a registrare, collaborare con artisti più giovani e insegnare (tra le istituzioni con cui è stato collegato vi sono conservatori e college). Nel 2024 è stato riconosciuto come NEA Jazz Master, uno dei più prestigiosi riconoscimenti statunitensi per il jazz.
Analisi tecnica e linguaggio musicale
Strumento e setup
Strumento principale: sassofono alto. Nel corso della carriera Bartz ha suonato strumenti professionali di marche note e talvolta è stato artista endorsing (es. Yanagisawa in alcune schede tecniche/artisti). La sua scelta di bocchini e ance varia a seconda del repertorio: nei brani più acidi/spirituali predilige un suono ampio e pieno, mentre nelle trame funk conserva attacco nitido e presenza nel registro medio-alto.
Suono e timbrica
Il tono di Bartz è caratterizzato da una piena risonanza ma con incisività nell’attacco: è capace di passare da linee liriche, calde e “cantabili” a frasi più ruvidamente ritmiche. Ha assimilato la lezione di Bird (Charlie Parker) nella padronanza della frase bebop, ma la sua estetica fonde anche la spinta modale e spirituale di Coltrane (specialmente nei lavori con Tyner).
Fraseggio e improvvisazione (o — come ama dire lui “composizione informale”)
Bartz spesso dichiara che il suo solo non è “improvvisazione casuale” ma frutto di studio e intenzione: definisce i suoi assoli come composizioni istantanee, con forti motivi ripetuti, sviluppo tematico e controllo dinamico. Questa visione spiega la nettezza delle sue costruzioni melodiche anche in contesti molto liberi.
Armonia e scelte melodiche
Nel periodo post-bop lavora spesso su progressioni modali e aperture tonali che lasciano spazio a lunghe esplorazioni tematiche; nei lavori funk-soul (NTU Troop) utilizza pattern ostinati e scale pentatoniche o blues-based per un forte impatto ritmico e popolare. La sua tessitura melodica combina intervalli ampi (saltosità, vibrato tenue) con linee scorrevoli tipiche del bebop.
Ruolo nel gruppo e nelle orchestrazioni
Come leader con NTU Troop Bartz sperimenta arrangiamenti che mescolano fiati, groove ritmici e parti vocali/spirituali: la costruzione dei brani spesso prevede spazi di call-and-response, sezioni ritmiche prominenti e l’uso di effetti sonori o colori strumentali per creare una dimensione quasi cerimoniale.
Brani e album consigliati (per capire i diversi volti di Bartz)
Per avvicinarsi con consapevolezza all’universo musicale di Gary Bartz, è utile partire dalle sue collaborazioni con McCoy Tyner, in particolare dalle registrazioni legate agli album Expansions e Extensions. In questi lavori, Bartz si muove con naturalezza all’interno di strutture modali complesse, dialogando con il pianoforte coltraniano di Tyner in un interplay che rivela tanto la sua formazione quanto la sua capacità di adattamento. L’ergonomia del suo fraseggio, il modo in cui si inserisce e si ritrae, suggerisce una profonda comprensione del linguaggio spirituale e trascendente che Tyner porta avanti in quegli anni.
Da lì, il passo verso la sua produzione da leader è fondamentale. Album come Another Earth, Music Is My Sanctuary e The Shadow Do non sono soltanto tappe di un percorso discografico ampio e coerente: sono dichiarazioni artistiche che mescolano post-bop, spiritual jazz e funk con una visione personale e militante. Bartz non cerca mai la pura virtuosità: ogni brano è un terreno di esplorazione collettiva, dove la spiritualità si intreccia con la ricerca identitaria e con la volontà di parlare a una comunità. L’ascolto di questi dischi permette di cogliere la sua tensione verso un jazz che non si chiude nella forma, ma si apre al mondo.
La formazione è ampia e ricca di sfumature timbriche: Gary Bartz suona sax alto e soprano, pianoforte elettrico, sintetizzatori e canta, affiancato da Larry Mizell alle tastiere, George Cables al piano, e una sezione ritmica che include David T. Walker, Wah Wah Watson, Curtis Robinson Jr., James Gadson, Bill Summers, James Mtume, e altri. La presenza di Syreeta Wright e Sigidi ai cori aggiunge una dimensione vocale che amplifica il messaggio spirituale del disco.
Il brano d’apertura,
Music Is My Sanctuary, è una dichiarazione poetica e politica: la musica come rifugio, come spazio sacro, come atto di resistenza. Seguono Carnaval De L’Esprit, Love Ballad, Swing Thing, Oo Baby Baby e Macaroni, in un percorso che alterna groove ipnotici, ballate soul e improvvisazioni modali. L’intero album è permeato da un senso di comunità e di ricerca interiore, dove il jazz non è solo linguaggio ma anche rito.
Gli anni ’70
Questa tensione trova piena espressione nel progetto NTU Troop, e in particolare nell’album I’ve Known Rivers and Other Bodies, pubblicato negli anni Settanta. Qui Bartz abbandona definitivamente ogni residuo di formalismo per abbracciare una musica rituale, afrocentrica, profondamente legata alla terra e alla memoria. Il jazz si fonde con il soul, con ritmi africani e con una funzione sociale esplicita: non più solo arte, ma strumento di consapevolezza, di resistenza, di celebrazione. L’album è un manifesto, e ascoltarlo significa entrare in un mondo dove la musica è voce, corpo, comunità.
Ma per capire davvero la versatilità di Bartz, è necessario osservare anche il suo lavoro come sideman. Le registrazioni con Art Blakey, come Soul Finger, mostrano un Bartz giovane ma già incisivo, capace di inserirsi con energia e precisione in un contesto hard bop. Più tardi, le collaborazioni con Miles Davis nel periodo elettrico—tra Live-Evil e le performance ai festival—rivelano un’altra faccia del suo talento: quella dell’improvvisatore fluido, capace di navigare territori psichedelici e groove elettrici senza perdere la propria identità. In questi contesti, Bartz dimostra una straordinaria adattabilità, riuscendo a mantenere la propria voce anche quando il paesaggio sonoro cambia radicalmente.
Eredità e importanza storica
Gary Bartz rappresenta un ponte tra l’eredità bebop/post-bop e le sperimentazioni che portarono il jazz verso funk, fusion e spiritual jazz. La sua idea di “composizione continua” come metodo di improvvisazione ha influenzato generazioni di sassofonisti e bandleader, così come la sua attitudine a fondere messaggi sociali e spirituali alla pratica strumentale. Il riconoscimento di NEA Jazz Master conferma il peso della sua carriera nella storia del jazz americano.
Spunti per un ascolto guidato e consapevole
Per comprendere a fondo la formazione musicale e l’evoluzione stilistica di [nome del musicista], è utile iniziare dalle sue prime collaborazioni con figure cardine come Art Blakey e McCoy Tyner. Questi contesti rivelano non solo la sua assimilazione del linguaggio hard bop e modale, ma anche la sua capacità di inserirsi con naturalezza in ensemble di forte personalità, mostrando già una voce strumentale distinta.
Successivamente, immergiti negli album del collettivo NTU Troop, dove il suo approccio compositivo si fa più radicale e comunitario. Qui emerge una visione musicale che trascende il solismo, privilegiando l’interazione, la ritualità e la costruzione di paesaggi sonori condivisi. L’ascolto di questi lavori permette di cogliere la sua tensione verso un linguaggio afrocentrico, spirituale e politicamente consapevole.
Infine, per affinare l’orecchio e cogliere le sfumature del suo fraseggio, si consiglia l’analisi di assoli trascritti. Presta attenzione all’uso ricorrente di motivi ritmici e melodici, al controllo delle dinamiche e alla costruzione di frasi brevi e coerenti—vere e proprie “unità di pensiero musicale” che si sviluppano con logica interna e tensione narrativa.